Ha ido
trascurriendo la asignatura y así, casi sin quererlo, nos hemos adentrado ya en
el estudio del último tema: Los procesos de creación e interpretación de las artes plásticas y
visuales.
Procesos de producción:
Detrás
de cada obra, de cada resultado hay un proceso. Los procesos que se llevan a
cabo para la realización de algo, muchas veces no son dotados de suficiente
importancia.
Toda creación ha
sido pensada y reflexionada, probada y modificada… ha sufrido un
proceso de producción. Sin embargo, lo que debemos tener en cuenta para el
aula, es que esos procesos y su grado de espontaneidad pueden estar influidos
según nuestras intervenciones.
Comentamos
que hay tres grandes grupos en los que podemos clasificar las producciones de
los niños:
La producción espontánea: es aquella que se produce sin que den pautas
marcadas. “haz algo”: sin demanda ni
pauta.
La producción inducida: se plantean una determinadas cuestiones, se
les encamina un poco hacia lo que se quiere conseguir, pero tampoco se manda,
solo se guía o se propone.
La producción dirigida: en este proceso de producción, ya se da un alto
grado de intervención. Se dan unas directrices y los niños hacen exactamente lo
que hay que hacer.
La producción
dirigida ha sido probablemente la más utilizada en las escuelas. Como
experiencia personal, recuerdo perfectamente en que consistían las clases de
plástica y las actividades que realizábamos en ella.
Los profesores repartían
una ficha, colocaban el material necesario, y daban unas órdenes: “Primero,
recorta el dibujo, después pégale "cachitos" de revista de los que os he dejado
ahí, y después pinta el fondo”. Esto simplemente es un ejemplo, pero seguro que
a todos nos suena o nos vemos identificados con ella.
Cuando eres pequeño no le das
importancia a esto, no te importa que te manden, de hecho, se piensa que debes hacerlo tal cual te diga la profesora o estará mal. En todo
momento intentas satisfacer sus deseos para sentirte logrado. No me parece mal
que en determinados momentos queramos enseñar a los niños de una determinada
manera, con manualidades o ejercicios pautados, pero debemos de controlar nuestras
intervenciones.
Recuerdo un programa de
televisión que a mí personalmente me encantaba, era Art Attack. En este programa,
se dedicaban a mostrar a los niños una serie de manualidades para que las
hiciéramos en casa. Me quedaba anonadada con la cantidad de materiales “chulis”
que tenían a su alcance, y de lo bonito que todo les quedaba. Obviamente nunca
podía hacerlo yo en casa porque ni tenía esos materiales ni esa destreza
manual. ¿Podía llegar a frustrarme el no poder hacerlo como ellos? Pues sí,
pero como no era una actividad que me obligaran a hacer y lo veía por simple admiración, tampoco me importaba tanto.
Si te pones a verlo ahora con
mirada de profesional, ves que es un programa que no va dirigido a los niños
para que ellos lo hagan, puesto que es imposible, y tampoco tiene un porqué
detrás. Simplemente lo hacen para mostrar
y dar unas directrices de “perfección” que debes seguir para obtener ése
resultado.
ART ATTACK
ART ATTACK
De
todas maneras, esta clasificación en solo tres tipos de producciones, es una
manera de hablar. Dentro de todas estas existen una cantidad inmensa de matices, puesto que no siempre podemos establecer diferencias tan claras. No
hay clasificaciones encajadas sin que haya posibilidad de matices.
Dialogando
en clase sobre nuestras experiencias tanto como de niñas o como de adultas en los
centros educativos, todas llegamos al acuerdo de que no importa si una
actividad es dirigida pero tiene matices de inducida, lo importante es saber el
grado de espontaneidad o de direccionalidad de la actividad. La palabra o el
calificativo que le queramos poner es lo de menos.
En
cualquier caso es importante ver que la producción puede darse desde diferentes
propuestas. Tiene que ver con el resultado, hay distintas maneras de afrontar
para que se correspondan con el objetivo de aprendizaje.
La
introducción a la planificación es necesaria ya que un trabajo por fases lleva
a una disposición mental completamente distinta a lo de “vamos a hacer algo y
hacerlo inmediatamente”. Por ejemplo con la orden: “dibuja una casa” no hacemos
un proceso ni nos lo planteamos como tal. Los maestros pocas veces piensan en buscar
información y menos aún en buscarla fuera, y eso es precisamente lo que hay que
hacer, buscar.
Es una
disposición mental que se construye y la educación artística puede ayudar a
construir porque los artistas trabajan de manera procesual, realizan bocetos,
modelos, prototipos, maquetas… es importante introducir la idea de proceso, que
los niños aprendan cómo es un proceso de trabajo, cómo el artista va
aprendiendo antes de hacer la obra definitiva.
De
manera analítica, por ejemplo, lo hizo Monet con “La catedral de Rouen”.
Experimentó con la luz e hizo una investigación de la incidencia de la luz
sobre un objeto (en este caso de la catedral) en diferentes momentos.
En
Reggio Emilia trabajaron con esta idea de proceso al encontrarse con la
situación de tener que representar un león. No lo hicieron de primeras como
muchos otros lo hubieran hecho, siguieron un proceso y fueron a ver a los
leones, van haciendo pruebas, toman decisiones y se llega al proceso final y
esto enriquece su construcción mental cognitiva.
Antes de comenzar con la reflexión de los procesos de interpretación, no me gustaría acabar los procesos de producción, sin nombrar el proyecto que hicieron en un colegio de Tudela con sus alumnos de Infantil: llevar a cabo el diseño de una exposición. Trabajaron de un modo procesual, es decir, comenzaron por el principio. Si querían hacer una exposición en el colegio, los niños primero deberían saber qué es una exposición y todo lo que ésta lleva consigo.
Para
ello acudieron al museo Muñoz Sola de esa misma localidad a aprender sobre
exposiciones.
¿Qué les podían contar? El director del museo se ofreció como guía y educador y fue quien les iba explicando cómo tenían que darse a conocer, como colocar las obras, de qué se componían las obras…
se creó un ambiente muy cercano para los niños, quienes estaban enganchados a las explicaciones e intervenían con ingenio a las cuestiones que surgían.
De esta manera, mediante el seguimiento de un proceso, primero conocieron para más tarde discutir y elaborar su cartel de presentación y sus obras para ser expuestas en el colegio. Además los niños debían hacer de "guías" por la exposición mientras explicaban a los espectadores su proceso de producción y el resultado.
Cabe mencionar que pese a que en algunos casos, la producción era bastante dirigida por las maestras, la idea de seguir un proceso con los niños está llena de mérito por parte de todos los que participaron en la propuesta.
¿Qué les podían contar? El director del museo se ofreció como guía y educador y fue quien les iba explicando cómo tenían que darse a conocer, como colocar las obras, de qué se componían las obras…
se creó un ambiente muy cercano para los niños, quienes estaban enganchados a las explicaciones e intervenían con ingenio a las cuestiones que surgían.
De esta manera, mediante el seguimiento de un proceso, primero conocieron para más tarde discutir y elaborar su cartel de presentación y sus obras para ser expuestas en el colegio. Además los niños debían hacer de "guías" por la exposición mientras explicaban a los espectadores su proceso de producción y el resultado.
Cabe mencionar que pese a que en algunos casos, la producción era bastante dirigida por las maestras, la idea de seguir un proceso con los niños está llena de mérito por parte de todos los que participaron en la propuesta.
Procesos de interpretación:
Como mencionaba en el tema 3 sobre expresión y análisis de
las obras, las obras de arte en muchos casos son producto de los sentimientos y
emociones que el artista lleva dentro, por lo que son portadoras de
experiencias que a su vez son reveladas en el espectador, nos vemos reflejados, nos enseñan cosas que
inmediatamente nos cuestionamos y relacionamos con nuestras propias
experiencias. A esto se le llama interpretar.
Interpretar una obra es algo a lo que habitualmente no
estamos acostumbrados, si es cierto que podemos sentirla y relacionarla con
nuestro mundo interno. ¿Pero
realmente creemos en nuestros propios pensares?.
Algo común cuando
visitamos un museo es escuchar: “¿y esto que es?”, “¿para qué hace esto el
artista?” “¿Qué nos querrá decir?”. Esto ocurre porque solemos pensar que
nuestra interpretación no es relevante en ese momento, y dejamos que nos cuenten
la interpretación del autor para tomarla como válida, aunque muchas veces no
estemos de acuerdo.
Estamos en una sociedad crítica y en la que la libertad de
palabra y expresión es permitida, ¿Por qué no empezamos por creer en nuestro
criterio para que así podamos enseñar a nuestros niños la cantidad de puntos de
vista que pueden existir?
No tiene por qué haber una única interpretación, tal y como
decía Christian Boltanski:
"A good work of art can never be read in one
way. My work is full of
contradictions. An artwork is open—it is the spectators looking at the work who
make the piece, using their own background. A lamp in my work might make you
think of a police interrogation, but it’s also religious, like a candle. At the
same time it alludes to a precious painting, with a single light shining on it.
There are many way of looking at the work. It has to be ‘unfocused’ somehow so
that everyone can recognize something of their own self when viewing it.”
Lo que a grandes rasgos quiere decir Boltanski en esta cita,
es que una buena obra de arte no puede ser entendida en un sentido. La interpretación, es un proceso en el que se deben tener en cuenta todas las posibles
interpretaciones, visiones u opiniones, así como atender a los diferentes
aspectos de la obra.
La tate Gallery basa su principio pedagógico en el proceso
de desarrollo de interpretaciones. Para ellos, éste se logra ampliando las
respuestas personales y construyendo nuevos hábitos de observación de las obras
de arte a través de un programa de enseñanza.
Llevan a cabo una propuesta de acercamiento a las obras de
arte desde diferentes perspectivas o enfoques, diseñados para impulsar una
comunidad de investigación, en la que la discusión y el debate estén presentes
y las ideas de cada individuo sean importantes por igual.
Estos enfoques, según la Tate son 4:
Enfoque personal: ¿Qué aporto yo?
-Yo, Mi
mundo, Mis experiencias
El tema: ¿De qué trata la obra?
-Contenido,
Mensaje, Título, Tema, Tipo-Género
El objeto: ¿Qué puedo ver?
-Características
formales, materiales, técnicas
El contexto: relacionando la obra con el
mundo
-De
producción: cuando, para quién, historia
-El
artista
-Relación
con otras artes y con otros campos de conocimiento
-El
presente: La obra en la sociedad actual, su lugar en la exposición, diseño de la
exposición, los materiales de interpretación que se nos ofrecen…
EL ENFOQUE PERSONAL, tiene que ver con lo
que cada sujeto trae a la obra y a su interpretación. Cada persona tiene sus
propias experiencias personales y sociales por eso, las respuestas ante una
obra de arte están condicionadas por estas. Sin embargo, no podemos ignorarlas, deben de
ser el punto de partida personal cuando pensemos sobre una obra de arte. Podemos
trabajar y compartir los sentimientos o emociones que nos provocan.
ESTRATEGIAS DE ACERCAMIENTO A LA OBRA DE ARTE
¿CÓMO HACER PREGUNTAS EN EL MUSEO?
Posibles preguntas para
hacernos:
Tú:
¿Cuáles
son las primeras reacciones que tienes frente a esta obra de arte? Por qué te
hace sentir así?
¿Qué
palabras asocias con estas obras de arte?
¿Quién
soy yo? ¿Cómo mi género, raza, edad o clase determinan lo que veo?
¿Cómo
mis respuestas revelan mis actitudes, valores y creencias?
¿Cómo
cambian mis opiniones a lo largo del tiempo y a través de las discusiones con
otros?
Tu mundo:
¿Qué te
recuerdan estas obras de arte? ¿Por qué?
¿Cómo
influye mi país, región de origen, familia, casa o orígenes en mis
reacciones?
¿En qué
sentido son mis reacciones diferentes o similares a las de mis compañeros?
Tus experiencias:
¿Con
qué relacionarías esa obra de arte?
Todos
traemos diferentes experiencias e intereses a la observación de obras de arte.
Por ejemplo, lo que hemos visto en la tele, cine, los lugares que hemos
visitado y las cosas que nos han sucedido, pueden hacer que cada uno reaccionemos
de diferente manera.
Nosotros, nuestro mundo y nuestras experiencias, condicionan nuestras respuestas.
EL TEMA: qué nos cuenta. Es decir, cuál es el
contenido, el mensaje, el título, el tema y/o el tipo/género. En este caso se trata de una información objetiva, los temas o problemas sobre los que
trabajan los artistas se pueden adivinar pero necesitamos información sobre el
artista, su proceso y sus intereses.
ESTRATEGIAS DE ACERCAMIENTO A LA OBRA DE ARTE
¿CÓMO HACER PREGUNTAS EN EL MUSEO?
Posibles preguntas para
hacernos:
Contenido: ¿Sobre qué trata la obra? ¿Qué sucede en la
obra?
Mensaje: ¿Qué pregunta la obra? ¿Nos pide que
respondamos de alguna manera? ¿Es una historia, un mandato, un desafío ¿Qué
representa la obra de arte? Más allá de un apura descripción de lo que ves,
trata de especular sobre qué quiere comunicarnos. ¿Reconoces algún símbolo?
Título: ¿Qué título le ha dado el artista? ¿Cambia
esto la manera en la que entendemos la obra?
Tema: ¿Cuál es el tema de la obra? ¿Este tema la
relaciona con otras obras?
Tipo / Género: ¿Cómo podemos relacionar la obra con los géneros
tradicionales? (pintura histórica, desnudo, paisajes, naturalezas muertas)
EL OBJETO y sus características materiales y formales.
O lo que es lo mismo, el análisis formal de la obra.
Las
características se pueden conocer observando:
-Formales:
Color, líneas, texturas, forma, espacio, composición…
-Materiales:
bronce, plástico…
-Técnicas:
óleo, acuarela
-Proceso
ESTRATEGIAS DE ACERCAMIENTO A LA OBRA DE ARTE
¿CÓMO HACER PREGUNTAS EN EL MUSEO?
Posibles preguntas para
hacernos:
Color: ¿Qué colores utiliza? ¿Por qué? ¿Cómo están
organizados? ¿Qué efectos crean?
Formas: ¿Qué tipo de formas podemos encontrar? ¿Cómo
son? (rectas, curvadas…)
Marcas: ¿Qué tipo de marcas utiliza el artista? ¿Qué
efecto crean?
Superficie: ¿Cómo es la superficie? ¿Qué texturas puedes ver?
¿Qué efecto crean?
Escala: ¿De qué tamaño es la obra? Cambiaría su
sentido/significado si cambiáramos el tamaño?
Posición: ¿Cómo estamos posicionados como espectadores?
¿Estamos obligados a mirarlo desde algún lugar en particular o en alguna manera
en particular? ¿Quiere que seamos conscientes de nuestra posición en el espacio?
Entorno: ¿Cómo se relaciona la obra con el espacio que
le rodea? ¿Está claro donde la obra empieza y acaba?
Materiales: ¿De qué está hecha? ¿Son materiales
tradicionales o materiales “encontrados” ¿Es importante la presencia material
de la obra? ¿Cómo responderías a la obra si estuviera hecha de otro material?
¿Qué connotaciones o asociaciones crees que traen consigo estos materiales?
Proceso: ¿Cómo ha sido hecha la obra de arte? ¿La ha
producido el artista o ha sido fabricada por otra persona? ¿Qué tipo de
habilidades ha tenido que utilizar el artista? ¿Qué cambios le han sucedido a
la pieza mientras ha sido realizada? ¿Cómo de visible o invisible es el proceso
de producción en la obra? ¿Es una instalación? ¿Es un
video-arte? ¿Cómo ha sido filmada y cómo es proyectada?
Composición: ¿Cómo está la obra de arte organizada?
Tiempo: ¿Implica está obra tiempo? ¿Qué tipo de tiempo
utiliza el artista, real o ficticio? ¿Demanda la obra una cierta cantidad de
nuestro tiempo? ¿Cambia la obra durante el tiempo?
EL CONTEXTO: relacionando la obra de arte con el mundo.
Para
contestarnos a preguntas relacionadas con el contexto de la obra necesitamos de
información externa. Podemos abordarlo desde dos dimensiones:
-Contexto
de producción de la obra de arte: cuándo fue realizada la obra.
Contexto
socio-cultural, artístico, filosófico, económico…
Relación
con otros campos o disciplinas: política, historia social, cultura visual, etc.
Artista:
biografía, intención…
-Contexto
de “uso” de la obra de arte: dónde y cuándo se ve (hoy en día).
La obra
en el museo y la exposición, en la ciudad, en la publicidad, en un libro de
texto… ¿Cómo aparece?, ¿para qué? Para enseñar qué, para vender, para
comunicar…
ESTRATEGIAS DE ACERCAMIENTO A LA OBRA DE ARTE
¿CÓMO HACER PREGUNTAS EN EL MUSEO?
Posibles preguntas para
hacernos:
Cuando/Donde: ¿Cuándo y dónde se hizo la obra de arte? ¿Podemos
encontrar alguna conexión entre la obra y el lugar o periodo en el que fue
hecha? ¿Qué nos dice sobre el tiempo/lugar donde fue hecha?
Quién y para quién: ¿Quién la hizo? ¿Qué sabemos
sobre el artista? ¿Para quién la hizo? ¿Cómo creéis que el/la artista se
imaginó su rol?
Historias: ¿Puedes relacionar esta obra con la historia
política o social de su tiempo? ¿Crees que está dentro de las ideas hegemónicas
de la historia o habla desde los márgenes? ¿La historia de quién representa?
El presente: ¿Cómo ve / entiende la gente esta obra hoy en
día y cómo se diferencia de cómo la veían cuando fue realizada? ¿Cómo ha
cambiado la opinión y por qué?
Otras artes: ¿Cómo puedes relacionar la obra con las otras
artes de su tiempo? (cine, música, literatura, diseño...)
Cultura Visual: ¿Cómo puedes relacionar la obra
con la más amplia cultura visual de su tiempo? (diseño, publicidad, moda,
imagen televisiva...)
Otras áreas de conocimiento: ¿Cómo se relaciona la obra con
otras áreas de conocimiento? (ciencia, geografía, matemáticas, ecología, etc.)
Acabo esta
parte concluyendo con la importancia que para mí tienen los aportes personales y
las experiencias ya que nos permiten crear vínculos en el proceso de interpretación.
Además como
hemos visto, se puede interpretar una obra desde muchos enfoques; enfoques que
engloban el arte en su totalidad: las funciones, los recursos, los materiales,
las técnicas, los procesos… todos ellos son importantes para crear los
distintos “modos de mirar”, por ello, debemos crear con los niños oportunidades
de aprendizaje que amplíen todos los conocimientos que trabajamos día a día en
el aula.
Hay una innumerable cantidad de técnicas para desarrollar la creatividad.
Aquí se exponen algunas que pueden ser más o menos descriptivas de muchas otras:
Un
aspecto que también hemos trabajado en clase y debemos incluir en nuestros
portafolios es el de creatividad.
“Todos
poseemos un talento, todos tenemos la capacidad de ser creativos; y la mayoría
vivimos sin saberlo, convencidos muchas veces de que el creativo es aquel que
sabe componer melodías, o escribir un poema” Ken Robinson reclama en esta
entrevista en "Redes" la necesidad de que en nuestra sociedad existan
entornos donde cada uno pueda encontrar la inspiración necesaria para
desarrollar su creatividad.
¿Que opinión
tienen los docentes acerca de la creatividad?
Por lo
general se piensa, incluidos los profesores, que la creatividad es un asunto
relativo exclusivamente a las
manifestaciones artísticas o musicales que nace del talento natural y que caracteriza
a los genios. Frente a este prejuicio, el 95% de los docentes encuestados
considera que la creatividad puede aplicarse en cualquier asignatura escolar y
cualquiera puede ser creativo.
¿Pero
esto realmente es así? La mayoría de los docentes tienen una idea creada de lo
que es creatividad, hablan de ella pero luego no se sabe cómo llevar ese tema
al ámbito educativo.
Normalmente el termino creatividad está vinculado al ámbito
de la plástica o la expresión artística, sin embargo va más allá de eso, el
termino se traslada a entornos científicos, empresas, negocios…
Es
frecuente ver cómo la enseñanza artística
en nuestras escuelas esta desconsiderada, cómo los niños se dedican rellenar
dibujos estereotipados utilizando los colores que dice el maestro y sin salirse
de los limites; sin plantearse ningún objetivo. Otras veces, para rellenar el
tiempo que queda libre entre actividad y actividad se les pide que hagan un dibujo libre,
repitiendo casi siempre los mismos esquemas y ahogando toda la imaginación y
creatividad que los alumnos llevan dentro.
Por lo
tanto es un deber de los profesores y profesoras comprender la necesidad de provocar su imaginación para potenciar la creatividad y dotar al alumnado de técnicas y motivaciones que les
den la oportunidad de expresarse libremente.
“Creatividad es poner la imaginación a trabajar, tener ideas nuevas que sean valiosas” sin embargo, debemos educar y preparar a las futuras generaciones para un futuro; un futuro en un mundo que no sabemos cómo va a ser. Aquí es donde entra en juego la creatividad; para que estén preparados y sean capaces de dar respuesta a lo que en la vida se plantea.
Por lo tanto, nuestra tarea es educar a su ser completo, enseñarles a pensar de manera divergente, lateral, a resolver un problema, aportando diferentes y variadas soluciones, para que puedan enfrentarse y sacar provecho a su futuro.
“Creatividad es poner la imaginación a trabajar, tener ideas nuevas que sean valiosas” sin embargo, debemos educar y preparar a las futuras generaciones para un futuro; un futuro en un mundo que no sabemos cómo va a ser. Aquí es donde entra en juego la creatividad; para que estén preparados y sean capaces de dar respuesta a lo que en la vida se plantea.
Por lo tanto, nuestra tarea es educar a su ser completo, enseñarles a pensar de manera divergente, lateral, a resolver un problema, aportando diferentes y variadas soluciones, para que puedan enfrentarse y sacar provecho a su futuro.
Aprendamos pues, a pensar e intervenir en estos términos usando estrategias y técnicas que nos saquen
de esta actividad cotidiana generando
situaciones de cambio.
Hay una innumerable cantidad de técnicas para desarrollar la creatividad.
Aquí se exponen algunas que pueden ser más o menos descriptivas de muchas otras:
Lluvia de Ideas (Brainstorming)
Quizá
una de las técnicas más conocidas y menos usadas eficientemente. Estaba
orientado a la búsqueda de ideas novedosas. Se aportan ideas sin considerar si
son o no viables, buenas, pertinentes. Se clasifican y organizan. Se evalúan aportando
sugerencias para la mejora. Se consideran las ideas creativas y sus
posibilidades de implementación.
Asociación Forzada
Cada
participante recibe 10 tarjetas en blanco, divididas en dos grupos iguales.
Llena cinco de ellas, escribiendo en cada una, un descriptor de la situación o
problema. En las otras cinco escribe en cada una la primera palabra que se le
ocurra, sin relación con el problema. Posteriormente se toma al azar una
tarjeta de cada grupo, y se construye una frase u oración conteniendo las dos
palabras, en donde se plantee una solución al problema, sin evaluar
anticipadamente la viabilidad o posibilidad de la solución.
CREATES
Técnica
a partir de una serie de preguntas o ideas para investigar. Las preguntas más
generales forman el acrónimo "CREATES". C, de Combinar; R de
Redistribuir o Revisar; E, de Exagerar: A, de Adaptar; T, de Transformar; E, de
Eliminar; S, de Sustituir. En la aplicación de la técnica se proponen una serie
de preguntas, generalmente agrupadas para cada uno de los términos arriba
mencionados.
SCAMPER
Similar
a la anterior. En este caso siguiendo el acrónimo SCAMPER se trata de S:
Sustituir; C: Combinar; A: Adaptar; M: Modificar; P: Proponer para otros usos;
E: Eliminar; R: Reordenar.
Aquí dejo
la propuesta de creatividad realizada en clase con la técnica "Scamper" para
cambiar una actividad artística infantil.
“De
reproductores a recreadores”
•Actividad
a modificar: Trabajando un proyecto sobre el miedo, los niños tienen que
colorear el cuadro en blanco y negro de “El grito” de Munch, y pegar en la cara del personaje la foto que les hará el profesor a
cada uno en la que estén expresando miedo.
•Estrategia:
SCAMPER
-Sustituir: la acción de pintar el cuadro con pinturas
típicas en el aula (plastidecors, ceras, temperas), por materiales naturales
(hojas, palos, algodón, cáscaras de frutos secos, etc.)
-Combinar: asociar el cuadro y el sentimiento que les
produce a cuentos o historias, sonidos, música, objetos, etc. que conozcan.
-Adaptar: utilizar el cuadro en otra situación. En la
actividad inicial fue trabajado en “Halloween” para relacionarlo con el miedo. Al
utilizarlo en otra época como Navidad, nos serviría para reconocer en él otros
sentimientos relacionados con este tiempo, y trabajar con la expresión de los
mismos. Por ejemplo, la sorpresa (ante los regalos que nos han dejado los Reyes
Magos), nervios (ante la idea de que los ves en la cabalgata, o van a estar en
tu casa), etc.
-Modificar: el fondo del cuadro. En vez de darlo hecho
en blanco y negro para que ellos lo coloreen con los colores que representen el
miedo para ellos, puede ser que dibujen como fondo aquello que les sugiera el
miedo, modificando el cuadro a su manera, y llevándolo a otro contexto. Por
ejemplo, puede darles un miedo atroz el mar, y dibujan una playa de fondo, etc.
-Proponer para otros usos: se puede hacer la foto que les
hemos realizado a cada niño en tamaño folio para utilizarla como careta para el
disfraz de carnaval.
-Eliminar: la consigna. Se les deja el material (cámara
de fotos, materiales para componer el cuadro…) y que hagan lo que quieran con
él; eliminar la palabra miedo por parte del maestro.
-Reordenar: el orden de la actividad, primero se les
hace la foto y luego les enseñamos el cuadro, así se evitará que los niños
repitan la pose del personaje del cuadro, y se dejará libertad para que ellos
expresen de forma personal su “sentir el miedo”.
En las
clases prácticas realizamos un par de ejercicios que nos ayudaran a abordar el
tema de la creatividad desde un sentido crítico.
La primera propuesta fue dibujar una
flor. Los resultados fueron similares, flores estereotipadas sin ningún aspecto
creativo.
Después a partir de un garabato en el papel debíamos de representar
una flor. En este caso los resultados cambiaron, las flores eran distintas y
singulares.
Sin embargo esta forma de representar una flor a nadie se le había ocurrido
en el ejercicio previo. ¿Por qué pasa esto? ¿No tenemos desarrollada nuestra
creatividad? La creatividad no depende de nuestra voluntad, depende de
convertir el límite, la norma en oportunidad. No se trata de eliminar el
estereotipo, sino de encajarlo.
La siguiente actividad que hicimos en nuestra clase práctica de creatividad, consistió en elegir una fotografía cualquiera de una revista, recortarla y luego partirla por la mitad en sentido horizontal. Después con nuestras dos partes de la foto, debíamos cambiar una parte con otra compañera; de este modo, tendríamos dos recortes completamente diferentes, una composición creativa que transformaríamos en boceto.
La siguiente actividad que hicimos en nuestra clase práctica de creatividad, consistió en elegir una fotografía cualquiera de una revista, recortarla y luego partirla por la mitad en sentido horizontal. Después con nuestras dos partes de la foto, debíamos cambiar una parte con otra compañera; de este modo, tendríamos dos recortes completamente diferentes, una composición creativa que transformaríamos en boceto.
También
trabajamos con lo abstracto. Éste nos rodea, pero no nos fijamos. No se trata
de encontrar lo abstracto para la emergencia de significados, simplemente
creamos imaginario y éste es quien nos hace verlo.
Como conclusión, destaco la capacidad creativa a la que podemos llegar si provocamos a nuestro imaginario. En el comienzo de la clase práctica, cuando a todas nosotras se nos presenta una hoja en blanco y debemos rellenarla con la representación de una flor, recurrimos a nuestro imaginario, al que ya tenemos, al que tantas veces hemos acudido a buscar y en el que siempre hemos encontrado lo mismo, la misma flor; un mismo modelo de flor que curiosamente, o no tanto, todas nosotras tenemos en nuestro interior. Es la flor estereotipada que siempre hemos conocido, la que siempre vemos representada, la que usamos para comunicarnos con las personas, la que todo el mundo entiende.
Como dice Chema Madoz: "Generalmente el problema que tenemos es que en el momento en que damos algo por sabido, dejamos de prestarle atención, y curiosamente todo aquello que nos rodea posee un misterio que a veces ni tan siquiera somos capaces de sospechar".
Cuando se plantea el "reto" de dibujar, parece que nos vendan los ojos, que se nos presenta un límite que no podemos superar.Sin embargo, si vemos a esos límites como una posibilidad, como una oportunidad de provocar a nuestro imaginario, comienza a desarrollarse nuestra creatividad, y surgen nuevas imágenes que van entrando en nuestro interior ampliando ese imaginario escaso y repetitivo que la mayoría de nosotros poseemos.
Como dice Chema Madoz: "Generalmente el problema que tenemos es que en el momento en que damos algo por sabido, dejamos de prestarle atención, y curiosamente todo aquello que nos rodea posee un misterio que a veces ni tan siquiera somos capaces de sospechar".
Cuando se plantea el "reto" de dibujar, parece que nos vendan los ojos, que se nos presenta un límite que no podemos superar.Sin embargo, si vemos a esos límites como una posibilidad, como una oportunidad de provocar a nuestro imaginario, comienza a desarrollarse nuestra creatividad, y surgen nuevas imágenes que van entrando en nuestro interior ampliando ese imaginario escaso y repetitivo que la mayoría de nosotros poseemos.
“En el límite, en el problema está la
creatividad. No en la libertad mal entendida, no en la ocurrencia, sino en el
reto”
Recursos Web:
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